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D\u00e9sirer ou \u00eatre d\u00e9sir\u00e9? Dans la culture am\u00e9ricaine du pr\u00eat-\u00e0-manger, nous sommes devenus d\u00e9pendants de la destination tout en \u00e9tant r\u00e9solus \u00e0 esquiver le p\u00e9riple. D\u2019une part, nous avons perdu le contact avec notre capacit\u00e9 \u00abnourrici\u00e8re\u00bb, alors que les aliments sont de plus en plus transform\u00e9s. D\u2019autre part, l\u2019esth\u00e9tique hautement travaill\u00e9e du mouvement de l\u2019alimentation biologique vient divertir en nous servant une s\u00e9rie de d\u00e9esses m\u00e9diatiques de la gastronomie et en proposant un renouveau populaire de la photographie de nature morte.<\/p>\n\n\n\n
Le rapport de la nourriture avec notre notion de la beaut\u00e9 est l\u2019un des aspects les plus controvers\u00e9s de la culture contemporaine. Le centre COPIA (The American Center for Wine, Food and the Arts), situ\u00e9 \u00e0 Napa, en Californie, utilise l\u2019art pour \u00e9tudier et c\u00e9l\u00e9brer la culture de table collective. Dans une entrevue t\u00e9l\u00e9phonique, Peggy Loar, directrice du centre, d\u00e9crit la fa\u00e7on dont le concept de la fertilit\u00e9 stimule la d\u00e9marche de l\u2019image renouvel\u00e9e du centre. Six ans auparavant, elle est arriv\u00e9e au centre avec l\u2019id\u00e9e de concevoir un nouveau logo provenant de la plus vieille sculpture connue \u2013 la V\u00e9nus de Willendorf<\/em>. \u00abTout le monde parlait de fertilit\u00e9\u00bb, se rappelle-t-elle. Le logo a pris la forme d\u2019une femme agenouill\u00e9e beaucoup plus mince, model\u00e9e sur Copia, d\u00e9esse romaine de l\u2019abondance, qui plante une vigne. La naissance de cette image iconique a conduit \u00e0 l\u2019adoption, l\u2019an dernier, d\u2019un nouveau nom pour le centre : COPIA.<\/p>\n\n\n\n COPIA a pr\u00e9sent\u00e9, au d\u00e9but de 2003, l\u2019exposition Sweet Tooth<\/em> de la commissaire Sarah Tanguy. Le succ\u00e8s de cette exposition a permis \u00e0 Tanguy d\u2019\u00eatre approch\u00e9e par le Katonah Museum of Art (KMA), qui cherchait un commissaire dans le cadre d\u2019une exposition sur la nourriture. L\u2019exposition de Tanguy, Food Matters : Explorations in Contemporary Art<\/em>, s\u2019est ouverte en ao\u00fbt 2003. Par ce passage de COPIA, au nord de la Californie \u2013 lieu d\u2019origine du mouvement d\u2019alimentation biologique \u2013, au milieu de l\u2019art repr\u00e9sent\u00e9 par KMA, situ\u00e9 \u00e0 40 minutes \u00e0 peine de New York, la nourriture s\u2019inscrit dans une nouvelle dialectique r\u00e9sultant de son croisement avec la beaut\u00e9 dans l\u2019art contemporain.<\/p>\n\n\n\n Dans le cadre de l\u2019exposition Food Matters<\/em>, Tanguy a pr\u00e9sent\u00e9 22 \u0153uvres d\u2019art portant sur le concept de la nourriture \u00e0 toutes les \u00e9tapes : de la pr\u00e9paration \u00e0 l\u2019absorption, en passant par sa pr\u00e9sentation en Am\u00e9rique. Par inadvertance, l\u2019exposition \u00e9tait encadr\u00e9e par deux installations con\u00e7ues par des femmes artistes qui montraient des repr\u00e9sentations diam\u00e9tralement oppos\u00e9es du f\u00e9minin. Ces \u0153uvres utilisaient le sujet de la nourriture pour \u00e9tudier les notions de beaut\u00e9.<\/p>\n\n\n\n Au \u00abd\u00e9but\u00bb de l\u2019exposition se trouvait l\u2019\u0153uvre de Bonnie Lee Holland, Potato Stone Song<\/em>, une repr\u00e9sentation organique \u00e9volutive de la forme f\u00e9minine en tant qu\u2019esprit contenu dans la mati\u00e8re. La cl\u00e9 de vo\u00fbte de cette installation multim\u00e9dia est une sculpture adh\u00e9sive entrelac\u00e9e ayant la forme tourbillonnante d\u2019un cyclone dont l\u2019espace rituel organique est constitu\u00e9 d\u2019un montage de pommes de terre et de pierres dans la terre. Le message est relat\u00e9 par l\u2019ombre sur le mur, qui repr\u00e9sente un esprit traversant le tissu de la forme f\u00e9minine \u00abd\u00e9bordante\u00bb.<\/p>\n\n\n\n \u00c0 l\u2019entr\u00e9e de la derni\u00e8re salle, l\u2019\u0153uvre de Sandy Skoglund, Cocktail Party<\/em>, pr\u00e9sente un tableau synth\u00e9tique qui refl\u00e8te le r\u00f4le des aliments transform\u00e9s dans l\u2019homog\u00e9n\u00e9isation de la vie am\u00e9ricaine. Cette \u00e9preuve couleur offre une vue directe d\u2019une installation \u00e9ph\u00e9m\u00e8re d\u2019un salon et de ses habitants dont les murs, le plancher et les meubles sont enrob\u00e9s de Cheez Doodles.<\/p>\n\n\n\n \u00c0 l\u2019extr\u00e9mit\u00e9 de cette derni\u00e8re salle se trouve l\u2019\u0153uvre de Maureen Connor, Narrow Escape<\/em>, une installation vid\u00e9o \u00ababsurde\u00bb dans une armoire viennoise de style n\u00e9orococo \u00e0 trois portes. Le spectateur est invit\u00e9 dans un environnement formel qui pr\u00e9sente l\u2019\u00e9tat critique de la beaut\u00e9 au sein du patriarcat comme la lutte pour p\u00e9n\u00e9trer dans des espaces trop petits. D\u2019\u00e9l\u00e9gantes jeunes femmes dans des robes tr\u00e8s moulantes se faufilent par des portes \u00e9troites pour rivaliser dans un jeu de chaises musicales ridiculement trop effil\u00e9es, pr\u00e9sent\u00e9es comme une installation sculpturale, et qui s\u2019\u00e9croulent sous le poids des corps. \u00c0 la fin, les femmes, toutes perdantes, capitulent en masse devant les p\u00e2tisseries d\u00e9licieuses qui les ont app\u00e2t\u00e9es depuis le d\u00e9but.<\/p>\n\n\n\n Pour lier les deux p\u00f4les, l\u2019artiste chinoise Ming Fay insiste sur l\u2019association symbolique de la nourriture dans la vie quotidienne. Son jardin luxuriant de d\u00e9lices sensuels Herbal Glyphs<\/em> nous met au d\u00e9fi d\u2019affronter notre rapport avec la nature pendant que nous absorbons inconsciemment la mythologie qui entoure son fruit visuellement d\u00e9lectable. Dans cette installation sculpturale, l\u2019abondance des cerises surdimensionn\u00e9es refl\u00e8te ouvertement notre d\u00e9sir sexuel enfoui.<\/p>\n\n\n\n L\u2019artiste d\u2019avant-garde de la deuxi\u00e8me vague f\u00e9ministe, Hanna Wilke, rompt avec les notions classiques de la beaut\u00e9 par son utilisation de la nourriture : elle moule son corps dans le chocolat pour des performances et utilise de la gomme \u00e0 m\u00e2cher pour fabriquer des \u0153uvres d\u2019art. Parmi les d\u00e9couvertes plus r\u00e9centes qui renforcent ce comportement transgressif, mentionnons l\u2019\u0153uvre de Maureen Connor, Taste Two<\/em> (1992), un p\u00e8se-personne modifi\u00e9 par l\u2019insertion d\u2019un moniteur o\u00f9 appara\u00eet une femme qui se gave et se purge lorsque la vid\u00e9ocassette est en marche avant, et qui vomit la nourriture sur la table lorsqu\u2019elle est en marche arri\u00e8re. La m\u00eame ann\u00e9e, Janine Antoni s\u2019est fait conna\u00eetre gr\u00e2ce \u00e0 Gnaw<\/em>, une sculpture minimaliste en chocolat transform\u00e9e par l\u2019app\u00e9tit f\u00e9minin qui conteste la tradition de l\u2019expressionnisme abstrait.<\/p>\n\n\n\n L\u2019acte de planter figurant dans le logo de COPIA repr\u00e9sente la mise en terre et la fertilit\u00e9, ainsi que le cycle naturel de renaissance qui suit la mort et la d\u00e9composition. Connor \u00e9voque ce cycle dans Narrow Escape<\/em>, son th\u00e9\u00e2tre n\u00e9of\u00e9ministe de l\u2019absurde, en d\u00e9voilant les arch\u00e9types \u00e0 la base des comportements humains. Les femmes \u00e9chappent \u00e0 l\u2019emprisonnement patriarcal par l\u2019affaissement des images classiques avec l\u2019\u00e9croulement des chaises. Si le rituel de se gaver suivi de l\u2019abstinence est l\u2019acte \u00abbachique\u00bb de la Renaissance, le travail ant\u00e9rieur de Connor servait de pr\u00e9sage. En effet, on pourrait placer l\u2019\u0153uvre n\u00e9of\u00e9ministe de 1996, Narrow Escape<\/em>, aux c\u00f4t\u00e9s de la vid\u00e9o classique (1975) de Martha Rosler Semiotics of the Kitchen<\/em> o\u00f9 une \u00e9pouse \u00abhachait\u00bb son chemin vers la folie.<\/p>\n\n\n\n Les rites anciens qui imitent le cycle \u00e9ternel de la nature permettaient l\u2019existence simultan\u00e9e de l\u2019\u00eatre d\u00e9sirant et d\u00e9sir\u00e9. Lynn Bianchi, dans sa s\u00e9rie d\u00e9terminante The Spaghetti Eaters<\/em>, atteint cet \u00e9quilibre. L’\u0153uvre con\u00e7ue en 1998 ne faisait pas partie de l\u2019exposition de KMA cependant elle continue de susciter la controverse en Am\u00e9rique, alors qu\u2019elle a \u00e9t\u00e9 bien accueillie en Europe. Les \u00e9l\u00e9gants tableaux de ces photographies s\u00e9duisantes sont construits et photographi\u00e9s \u00e0 la mani\u00e8re des dessins raffin\u00e9s d\u2019un ma\u00eetre de la Renaissance; pourtant, ils d\u00e9peignent des femmes ob\u00e8ses et tr\u00e8s maigres qui se nourrissent en transgressant les canons de l\u2019art occidental. De m\u00eame, l\u2019exposition Food Matters<\/em> pr\u00e9sentait Sugar Head<\/em>, \u0153uvre beaucoup plus sage de John Kirchner. Ce portrait figuratif, fabriqu\u00e9 avec 40 tasses de sucre moul\u00e9, transgresse la notion de permanence classique, car il se dissout au cours de l\u2019exposition.<\/p>\n\n\n\n Telle la notion classique de beaut\u00e9, l\u2019aliment perd sa capacit\u00e9 de procurer du plaisir par la d\u00e9composition. N\u00e9anmoins, la difficult\u00e9 de traiter de la pourriture soul\u00e8ve un probl\u00e8me qu\u2019il est possible de r\u00e9soudre par une nouvelle interpr\u00e9tation de la beaut\u00e9 : une beaut\u00e9 sans cesse en mouvement, appel\u00e9e \u00e0 rena\u00eetre apr\u00e8s la dissolution.<\/p>\n\n\n\n En utilisant des mat\u00e9riaux \u00e9ph\u00e9m\u00e8res dont le pourrissement est in\u00e9vitable, les artistes \u0153uvrent in\u00e9luctablement \u00e0 la destruction dans leur traitement de la nourriture. \u00abLa nature fugitive de la photographie consiste \u00e0 saisir le moment, affirme Loar. Je crois que l\u2019id\u00e9e de la nourriture associ\u00e9e \u00e0 la beaut\u00e9 a d\u00e9but\u00e9 par le mouvement nourriture\/cuisine, qu\u2019elle a ensuite d\u00e9pass\u00e9.\u00bb Elle attribue l\u2019association artistique de la beaut\u00e9 et de la transmigration \u00e0 l\u2019artiste italien baroque Arcimboldo, qui peignait des visages en juxtaposant, entre autres, des fruits. L\u2019exposition inaugurale du centre COPIA pr\u00e9sentait l\u2019\u0153uvre de Gay Outlaw, Caramel Field<\/em>, cr\u00e9\u00e9e avec 1 200 livres de sucre. \u00abC\u2019\u00e9tait une installation magnifique et tr\u00e8s architecturale, mais dont le but \u00e9tait de \u201csaigner et pleurer\u201d sur le plancher de b\u00e9ton, souligne Loar. Le titre de l\u2019exposition \u00e9tait Active Ingredients<\/em>.\u00bb<\/p>\n\n\n\n Une prochaine exposition de COPIA, Michiko Kon: Still Lifes<\/em>, organis\u00e9e par Aperture, pourrait alimenter la dynamique entourant une nouvelle d\u00e9finition de la beaut\u00e9. Cette photographe japonaise cr\u00e9e des \u0153uvres intemporelles en utilisant des objets \u00e9ph\u00e9m\u00e8res tels un porte-jarretelles fabriqu\u00e9 avec du poisson, une paire de melons couverts de tentacules de pieuvre et une botte fabriqu\u00e9e avec des carapaces de crevettes.<\/p>\n\n\n\n Dans un paradigme o\u00f9 tout est \u00e9troitement li\u00e9 et sans cesse en mouvement, la beaut\u00e9 n\u2019est plus statique comme elle l\u2019\u00e9tait dans l\u2019id\u00e9al classique; elle est dans un \u00e9tat perp\u00e9tuel de mouvement, oscillant sans arr\u00eat entre la clart\u00e9 et l\u2019obscurit\u00e9 dans son p\u00e9riple le long du cycle de la vie et de la mort. Comme nous l\u2019avons constat\u00e9, les artistes qui ont utilis\u00e9 la nourriture comme moyen d\u2019expression de ce nouveau mod\u00e8le terminent leur d\u00e9marche au moment o\u00f9 la nourriture introduit une nouvelle esth\u00e9tique de la beaut\u00e9 au sein de la culture populaire. Cette dialectique a la possibilit\u00e9 d\u2019att\u00e9nuer la polarisation occidentale de l\u2019\u00eatre d\u00e9sirant et d\u00e9sir\u00e9 chez les femmes en ramenant la D\u00e9esse dans l\u2019art contemporain.<\/p>\n\n\n\n COPIA joue assur\u00e9ment un r\u00f4le. Une autre exposition, Sandy Skoglund: Enchanting the Real<\/em>, pr\u00e9sentera une artiste qui int\u00e8gre audacieusement les rites et les symboles pa\u00efens \u00e0 la culture populaire. \u00abNous esp\u00e9rons que notre approche, qui se veut \u00e0 la fois s\u00e9rieuse et joyeuse, servira d\u2019exemple \u00e0 d\u2019autres institutions, \u00e9crit Teller dans son courriel. La nature personnelle de la nourriture \u2013 tout le monde mange \u2013 permet certainement de rendre plus accessible l\u2019\u0153uvre d\u2019art la plus difficile. J\u2019esp\u00e8re que notre travail permettra de supprimer certaines barri\u00e8res que rencontrent plusieurs individus devant l\u2019art dans un contexte mus\u00e9ologique.\u00bb<\/p>\n\n\n\n D\u2019autres artistes adopteront sans doute le go\u00fbt populaire et utiliseront le d\u00e9nominateur commun de la nourriture dans leur expression. Entre-temps, les artistes qui ont entrepris cette d\u00e9marche pr\u00e9senteront d\u2019une mani\u00e8re holistique un nouveau mod\u00e8le d\u2019interconnexion et de cycle \u00e9ternel de la nature dans l\u2019art contemporain. Le \u00abprobl\u00e8me\u00bb du commissaire est le d\u00e9lice du grand public, maintenant libre d\u2019\u00eatre s\u00e9duit par l\u2019attrait d\u2019une magnifique imagerie dont la pr\u00e9sentation excite les papilles gustatives.<\/p>\n\n\n\n [Traduction : Isabelle Chagnon]<\/p>\nDe la nourriture<\/h2>\n\n\n\n
Une nouvelle dialectique de la beaut\u00e9<\/h2>\n\n\n\n
Une nouvelle d\u00e9finition de la beaut\u00e9<\/h2>\n\n\n\n